Статуэтки ар деко – Статуэтка КУПАЛЬЩИЦА. 1930-е. Ар-деко – купить в интернет-магазине на Ярмарке Мастеров с доставкой

Кабинетная скульптура Арт-деко, стиль арт деко в интерьере

Содержание

Наша коллекция АНТИКВАРНОЙ СКУЛЬПТУРЫ>>>>>

НАША КОЛЛЕКЦИЯ АНТИКВАРИАТА АРТ ДЕКО>>>>

Кабинетная скульптура ар-деко

Причина востребованности кабинетной скульптуры ар-деко — это мода на неё, зародившаяся в 70-е гг. ХХ в. и переживающая новую волну. Эти произведения по сей день воспринимаются, как воплощение передовой дизайнерской мысли, органично вписываясь в оформление современных домов. Будучи тесно связанной с предметной обстановкой, кабинетная скульптура задает настроение всему интерьеру. А предметы в стиле ар-деко заряжены жизнеутверждающим настроением неги и роскоши, возникшим на Западе после Первой мировой войны.
Этот стиль существенно повысил статус кабинетной скульптуры. Французские и немецкие мастера малой пластики 20-х — 30-х гг. не входили в единое сообщество, и стилевое движение ар-деко находилось под влиянием различных источников. В числе основных – неоклассицизм. Чертами преемственности ар-деко также был связан с модерном.

Любовь этого стиля и современных ему направлений в искусстве — футуризма и конструктивизма — к геометрическим линиям, к передаче стремительного движения, скорости, была связана с новейшими достижениями техники, появлением машин и аэропланов.
Тематику произведений кабинетной скульптуры разнообразил спорт: в числе источников ар-деко оказались, не в последнюю очередь, атлетичные формы спортсменок и их короткие стрижки.

Ар-деко — стиль изысканной красоты и дорогого шика.

Для него характерно использование ценных материалов, таких, как бронза (отливки из неё полировались, прочеканивались и покрывались декоративной патиной), золото, слоновая кость. Но мастера кабинетной пластики ар-деко обращались в своём творчестве и к менее дорогим материалам – таким, как сталь, алюминий, перламутр, эмаль, лак, поскольку для ар-деко роскошь — не только дороговизна, но и визуальное богатство. Ар-деко любил сопоставлять сверкающую и гладкую металлическую поверхность с фактурой редких пород камня, для впечатления зрительного контраста темное дерево инкрустировалось перламутром и латунью. Часто в одном предмете сочетались различные поделочные породы для достижения большего декоративного эффекта.

При промышленном производстве кабинетной скульптуры ар-деко в первой трети XX века применялись заменители бронзы: регул и шпиатр (цинковые сплавы).
К относительно недорогим материалам ар-деко относятся также стекло, кракелированная керамика (глазурованный фаянс), терракота и фарфор. Например, Севрская мануфактура выпускала статуэтки ар-деко из бисквита (белого неглазурованного фарфора.
Развитие кабинетной скульптуры ар-деко происходило по двум основным направлениям, которые можно условно обозначить, как «синтетическое» и «натуралистическое». Синтетическое направление оказалось более восприимчивым к влиянию авангарда; его образцам свойственная более лапидарная эстетика.

Кракелированная керамика АРТ ДЕКО

Применяемый антикварами термин «кракелированная керамика» условен, поскольку исходная модель могла существовать и в фаянсе, и в известняке — естественного цвета или раскрашенном, с кракелюром на глазури или без. Если для модерна были характерны растительные мотивы, то стиль ар-деко больше любил животных — медведей, тигров, пантер, голубей и пр. Чаще других использовались поливные глазури белых оттенков, но также применялись однотонные глазури и насыщенных цветов — тёмно-зелёного, синего, красного, на гладкой поверхности на которых играл свет. Цвет не передавал природную окраску животных, а был рассчитан на подчёркнуто декоративный эффект. Удаляясь от реализма, скульпторы-анималисты 20-х годов передавали позы животных обобщенно, в кубистических формах. При минимуме частных подробностей облик животных оставался узнаваемым.

Шарль Лемансо. Белый медведь. Фаянс, глазурь, кракелирование, 1930-е.

В технике кракелированной керамики работали Франсуа Помпон, Жан и Жоэль Мартель (1896-1966), Жан и Жак Адне, Эдуард-Марсель Сандоз, Шарль Лемансо, Жео Конде, Жорж Шеволье, Шарль Катто, Луи Фонтенель, Ле Жан, Шарль Вирион и многие другие скульпторы.

Жан и Жак Адне. Голубь. Фаянс, глазурь, кракелирование. 1925.

Ле Жан. Девушка с собаками. Фаянс, глазурь, кракелирование.

В этой композиции автор обратился к мотиву борзых собак, их стремительного бега, модному в искусстве ар-деко. По выражению одного из основоположников стиля ар-деко в скульптуре, Франсуа Помпона, в скульптуре не должно быть «дыр». В обобщённом силуэте работы Ле Жана соединились сильные животные и человек, гибкие линии тренированного тела и стилизованные, напоминающие зубчатый вал, мощные дуги стеблей. Одним из ключевых признаков формотворчества 1920-х годов стало особое понимание лапидарной формы, извлеченное из уроков авангарда. Обтекаемый силуэт и графическое прочтение фигуры обнаружили родство произведений архаической пластики и эстетики современного техницизма.

Внимание к технике исполнения, активное внедрение новых материалов, применение цвета в скульптуре и освоение новых средств выразительности объединяет с другими мастерами 1920-х гг. и скульптора русского происхождения, Георгия Лаврова.

Шарль Лемансо. Борзая в прыжке. Фаянс, глазурь.

Скульптор переосмысливает анатомию борзой с целью подчеркнуть её свободную экспрессию, запечатлеть движение в инертной материи.

Фонтенель. Умывающиеся пантеры. Фаянс, глазурь, кракелирование.

Сен — Клеман. Пантера. Фаянс, глазурь, кракелирование.

В изображении диких экзотических животных – пантер, львов, леопардов — нашло выражение увлечение экзотикой, наследием стран Востока и Африки, переживаемое в искусстве и моде того времени.

Жан и Жоэль Мартель. Аккордеонист. Терракота. Около 1930 г.

Несмотря на то, что к жанровой скульптуре малоприменим нефигуративный язык, в гранёных, кристаллических формах «Аккордеониста» братьев Жана и Жоэля Мартелей ощутимо влияние кубизма и футуризма, в значительной мере повлиявших на стиль ар-деко. Первым, кто приблизился к абстрактной скульптуре, был Константин Бранкузи: «Бранкузи уже в произведениях конца 1900-х годов сформировал лаконичную форму, сведенную к основному объему» .

На выразительные средства, стилистические черты скульптуры ар-деко значительное воздействие оказало также открытие памятников архаического искусства Востока и Африки. Раскопки извлекали на свет произведения древней скульптуры, изумлявшие современников сдержанностью и выразительностью пластического языка. Под влиянием древневосточных зиккуратов возникла любовь ар-деко к многогранникам, ступенчатым завершениям, часто определявшая форму скульптурных постаментов. Геометризм постаментов контрастировал с фигуративностью статуэтки.

Георгий Лавров. Тигр вышел из джунглей. Бронза, серебряная патина, постамент из мрамора.

Обладая рядом общих черт – высоким вкусом к стилизации и декоративному прочтению формы, интересом к экзотике и архаическим культурам – синтетическое и натуралистическое направления различались степенью претворения натуры и восприятием современных течений. К натуралистическому направлению скульптуры ар-деко можно отнести изделия, выполненные в хрисоэлефантинной технике, которые являются примером большего реализма, чем кракелированная керамика, органично усвоившая язык абстракции.

Хрисоэлефантинная техника АРТ ДЕКО

Хрисоэлефантинная техника предполагала использование в качестве материалов золота, слоновой кости, бронзы, черепахового панциря, лака и серебра. Она не изобретена стилем ар-деко, а почерпнута из наследия классики. Предметы, исполненные в этой технике, демонстрируют роскошь ар-деко.

Скульптурные произведения из бронзы и слоновой кости условно делятся на несколько тематических направлений .

Первое из тематических направлений скульптуры – так называемое «театрализованное». Сюда можно отнести обнажённые фигуры античных богинь, в которых угадываются следы модерна, и фигуры танцовщиц. Представителями этого направления принадлежат Чипарус (1886–1947) и Клер Жанн Робер Колине (1880-1950).

Дмитрий Чипарус, скульптор румынского происхождения, уделял особенное внимание костюму. Своих танцовщиц он изображал с головы до пят одетыми в экзотические наряды, демонстрирующие влияние дягилевских Сезонов, словно застывшими в балетных позах, зачастую на пуантах.

Чипарус Дмитрий. Русский балет. Патинированная бронза, золочение, слоновая кость, постамент из мрамора и оникса. Высота: 61 см.

Клер Жанн Робер Колине. Индийская танцовщица. Патинированная бронза. Около 1925 г.

Стоящая на одном мыске, с широко раскинутыми руками, танцовщица Пьера Ле Фагои (1892-1962) держит на плечах стилизованный посох, перевитый лозой. В стиле этой «театрализованной» статуэтки заметно влияние неоклассицизма. Благодаря развороту торса вся фигура кажется преисполненной динамики. Характерной для ар-деко ступенчатый пьедестал из мрамора Порторо.

Пьер Ле Фагои. Бонза, постамент из мрамора Portoro. Около 1930 г.

Среди представителей натуралистического направления особой конкретностью и правдоподобием в изображении персонажей отличался Фердинанд Прайсс (Preiss F.) Прайсс обращался к теме современного танца и спорта, запечатлевая своих горделивого вида героинь в новых для скульптуры позах. Одетые по моде 20-х гг., они обладают грацией античных нимф.

Прайсс Фердинанд (1882–1943). Фигуристка. Бронза, холодное окрашивание, слоновая кость, постамент из мрамора и оникса. Высота: 33,5 см.

Популярны были изображения звезд спорта, театра и кино, исторических и литературных персонажей, изображения детей, дам в сопровождении борзых собак, в гамаке или с теннисными ракетками, и прочие повседневные и спортивные сцены. Порой скульптурные образы поражали своей конкретностью.

Прайсс Фердинанд (1882–1943). Сынок. Бронза, холодное окрашивание, слоновая кость, постамент из оникса Высота: 21,3 см.

Эротические скульптуры АРТ ДЕКО

Творчество Бруно Зака (Zach B.) и Доротеи Шарол (1889-1963) относят к разряду эротической скульптуры. Эти художники воплощали образ эмансипированной женщины своей эпохи, завоевавшей право на свободное и даже вульгарное поведение.

Зак Бруно (1891–1945). Девушка с хлыстом Бронза, патинирование, постамент из мрамора. Высота: 82 см.

Доротея Шарол. Танцовщица в зелёном. Бронза, холодное окрашивание, слоновая кость, постамент из мрамора и оникс

Пьер Ле Фагои (Le Faguays), испанец по происхождению, выполнял кабинетные статуэтки на исторические темы, а Александр Келети (1874-1940) весьма натуралистично изображал персонажей комедии дель-арте. Однако, в дальнейшем эти скульпторы, как и Поль Филипп (Philippe P.), испытали влияние кубизма.

Александр Келети. Пьеро и Пьеретта. Бронза, патина, слоновая кость, холодное окрашивание, постамент из мрамора.

Пьер Ле Фагои. Лучник. Бронза с коричневой и серебряной патиной, слоновая кость, постамент из серого мрамора.

В 20-е —30-е гг. ХХ в. скульптуры, исполненные в хрисоэлефантинной технике, стали символом стиля ар-деко и завоевали в европейских странах широкую популярность.
Существовало также массовое производство функциональных вещей для интерьера: настольных ламп (масляных или электрических), держателей для книг (букендов), также являвших собой более или менее ценные образцы кабинетной скульптуры ар-деко.

Энрике Молен-Балест родился в Барселоне, но работал, преимущественно, во Франции. Он подписывал свои произведения «H. Molins».

Энрике Молен-Балест. Красавица. Лампа. Бронза, холодное окрашивание, постамент из мрамора.

Макс Ле Верье (1891 – 1973) – одна из выдающихся фигур стиля ар-деко. Особое внимание Ле Верье уделял форме своих работ: его скульптура отличается ясностью силуэта и лаконичностью композиции. Всю работу по созданию произведений мастер выполнял сам. Его мастерская специализировалось на кабинетной скульптуре, осветительных приборах и на производстве держателей для книг. Ряд произведений Ле Верье как бронзовщик выпустил в сотрудничестве со скульптором Пьером Ле Фагои, работавшим под псевдонимом Fayral и Guerbe.

Макс Ле Верье. Загадка. Лампа. Бронза с зеленой патиной, постамент из мрамора Portoro. Высота 44 см.

Макс Ле Верье. Держатели для книг. Бронза с зелёной патиной, постамент из камня.

Вот пример сотрудничества Ле Фагои (под псевдонимом Guerbe) и Ле Верье, причём первый здесь выступал в качестве автора, а второй – в качестве бронзолитейщика, о чём свидетельствует клеймо Ле Верье на бронзовом поземе поверх ступенчатого мраморного пьедестала. Модель, известная по многим отливкам и названная «Испанка» , изображает полуобнажённую молодую женщину в набедренной повязке, украшенной кубистическими мотивами, которая шагает, неся над собой абажур в виде веера из оранжево-красного агатового (мраморного) стекла с узором из стилизованных цветов и геометрических форм. Следует отметить, что для своих осветительных приборов Дом Ле Верье заказывал художественное стекло в мастерских братьев Доум из Нанси.

Пьер Ле Фагои, Макс Ле Верье. Испанка. Лапма. Бронза с зелёной античной патиной, стекло, постамент из мрамора. Около 1925. Высота 52 см.

Порой стеклянный абажур, имевший скульптурную форму, становился самостоятельным декоративным предметом, который вполне можно отнести к кабинетной скульптуре ар-деко. В таких осветительных приборах стекло доминировало.

Этлинг. Ночник. Опаловое стекло. 1930.

Мануфактура Эдмонда Этлинга (Etling) —один из ведущих парижских производителей предметов ар-деко 1920–1930-х гг. в Париже. Особое место на предприятии отводилось производству дизайнерских предметов из опалесцирующего стекла. Мануфактура сотрудничала с ведущими художниками. Все произведения Etling были созданы в период 1920-х гг — 1940-х гг., когда стиль ар-деко был на вершине популярности.

Помимо стеклянных элементов, входивших в состав осветительных приборов ар-деко, существовала собственно кабинетная скульптура из художественного стекла, не имевшая функционального назначения. В числе мастеров стеклянной скульптуры ар-деко – имя Рене Лалика, ранее прославившегося своими работами в стиле модерн. Благодаря его творчеству на рубеже XIX–XX вв. получила распространение техника матового стекла, набравшая чрезвычайную популярность в декоративном искусстве 1920-х гг.

Рене Лалик. Времена года: лето. Стекло. 1939.

Антикварный интерес к предметам ар-деко возрос в 70-е гг., а начиная с 1990-х гг. эти уникальные изделия стали хитами продаж ведущих аукционных домов.

Наша коллекция АНТИКВАРНОЙ СКУЛЬПТУРЫ>>>>>

НАША КОЛЛЕКЦИЯ АНТИКВАРИАТА АРТ ДЕКО>>>>

antikzone.ru

Музей Ар Деко — Орнамент и стиль в ДПИ

Долго собиралась, и вот наконец-то я посмотрела эту крупнейшую коллекцию предметов ар-деко. Московский музей Ар Деко находится в историческом здании, являющимся памятником промышленной архитектуры (1883 г., архитектор — В.В. Столяров), на Лужнецкой набережной, дом №2/4. Изначально в нём был завод по производству химических красителей и фармацевтики Фридриха Байера, затем военной и авиационной промышленности, сейчас — это территория бизнес-центра. Пешком минут за десять можно дойти от станций метро: Воробьевы горы, Спортивная и Университет. На прилегающей территории есть небольшая стоянка для машин.

Музей Ар Деко создан два года назад предпринимателем и меценатом М.О. Окрояном. Музейная коллекция, кроме произведений из бронзы и слоновой кости периода 1920-1930-х годов, включает мебель, светильники, много ковки, а также лампы и всевозможные консоли.

В период с 1918 по начало 30-х годов Европа переживала настоящий художественный, культурный и социальный бум, главными центрами которого стали Париж и Берлин, отчасти Вена. Пик популярности ар-деко пришёлся на период с 1925 по 1935 годы.

В 1925 году в Париже прошла «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств», в которой приняли участие художники из Японии и практически из всех европейских государств, кроме Германии. Сокращенное название выставки дало жизнь термину «ар-деко», хотя были и альтернативные названия — «стиль джаз», «зигзаг модерн», «стиль Пуаре».

Раньше музейная коллекция размещалась в двух залах, теперь — в одном. И мне показалось, что выставочное пространство слишком перегружено изящными предметами и больше напоминает антикварный салон, чем музей.

В одном зале такому количеству разнообразных предметов тесно, тем более, что здесь намеренно придерживаются кабинетного принципа экспонирования, т.е. без витрин.

Зато ничто не мешает рассматривать статуэтки близко, иногда лица девушек из слоновой кости кажутся живыми. Выражение их глаз, изгиб губ меняются в зависимости от того, с какого ракурса вы на них смотрите.

Предшественником стиля ар-деко был стиль ар-нуво, возникший на рубеже XIX-XX веков. В каждой стране ар-нуво приобрел национальные особенности и имел своё название: во Франции — ар-нуво, в Англии и России — модерн, в Италии — либерти, в Германии — югендштиль. В Австрии использовался термин сецессион, по названию группы Sezession, созданной в 1897 году в Вене, в Шотландии — макинтош, по фамилии архитектора Чарльза Ренни Макинтош, работавшего в стиле ар-нуво. В эти же годы в США художник и дизайнер Луис Комфорт Тиффани создавал изделия в том же стиле, поэтому ар-нуво по-американски стал называться просто — стиль Тиффани.
Объединяющей стилистической особенностью ар-нуво стал отказ от прямых линий в пользу плавных изогнутых. Главный мотив стиля — это цветы. Ими украшали любые части интерьера, ткани, витражи, ювелирные изделия, они появлялись на картинах. В это же время стали популярны японские мотивы, переработанные на европейский манер. Фирменным знаком ар-нуво стала знаменитая вышивка Германа Обриста «Удар бича» 1895 года.

Эту линию можно увидеть практически в любой работе в стиле ар-нуво, например в витрине Эмиля Галле (1846-1904). Витрина выполнена из орехового дерева и бронзы в технике маркетри — мозаики из разных пород дерева, которые наклеивают на основу. Для украшения мебели Галле, кроме вставок из экзотических пород дерева, использовал отделочные и полудрагоценные камни, из которых составлял не только растительные узоры, но и строки из стихов Вийона, Бодлера, Верлена. За это его мебель стали называть «говорящей» (meubles parlantes).

Всё изменилось после Первой мировой войны — изменилась политическая ситуация, изменились социальные и экономические условия. Популярность спорта в конце 1920-х годов выросла во всех слоях населения, что отразилось в работах художников. Ведущий мастер немецкого течения ар-деко Фердинанд Прайсс создал серию «Олимпийцы», представляющую одетых в спортивную одежду молодых людей, играющих в теннис, гольф и метающих копья.

Прайсс со своим компаньоном Артуром Касслером открыли в Берлине небольшой цех, где Касслер занимал пост финансового директора, а Прайсс решал все художественные вопросы. Ему в создании скульптур отводилась важная функция дорабатывать самые мелкие части фигурок — лица, руки с ноготками и волосы. Для такой ювелирной работы Прайсс использовал бормашину.

Некоторые статуэтки Прайсса лепились с тогдашних олимпийских чемпионок и чемпионов.

Статуэтки из бронзы и слоновой кости стали символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве.

Художники ар-деко проявляли интерес к искусству Древнего Египта, что связано с раскопками в Фивах и открытием гробницы Тутанхамона в 1922 году.

В целом, их интересовала любая экзотика, в ней они черпали новые художественные идеи, часто настолько переработанные, что увидеть в них первоисточник и прототип практически нереально. Отсюда же берет начало тема восточного танца в живописи и скульптуре. В музее собраны статуэтки разных авторов, но все они изображают восточных цариц или танцовщиц.

Лоран Эли. Танцующая пара

Большую часть коллекции музея составляют статуэтки Дмитрия Чипаруса (1886-1947). Он был родом из Румынии, но в начале 20 века переехал в Париж. В творчестве Чипаруса повторяются сюжеты русских балетов. Большинство скульптур датируются серединой 1920-х годов, все они выполнены из бронзы и слоновой кости. Слоновая кость была тогда доступна, потому что у Франции были колонии, откуда этот материал поставляли в большом количестве. Постаменты делали из мрамора или оникса.

Дмитрий Чипарус. Танго. Бронза, холодное окрашивание, патинирование, слоновая кость, постамент из оникса

Еще одним мощным источником вдохновения художников ар-деко стал русский балет. С 1909 по 1929 год балетная труппа «Русские Сезоны» выступала в Европе под руководством Сергея Дягилева. Сила и самобытность русской культуры поразила европейцев. Более того, «Русские Сезоны» изменили стиль жизни и поведения европейцев. Вскоре после премьеры балета «Шахерезада» у парижских дам вошло в моду одеваться a la Bakst – в легкие шаровары и цветистые тюрбаны. Наиболее ярко эти мотивы воплотились в творчестве скульптора Дмитрия Чипаруса, произведения которого в России не представлены ни в одном из государственных музейных собраний.

Дмитрий Чипарус. Русский крестьянский танец

Интерес модной публики к русскому иногда проявлялся весьма неожиданным образом. На одной из выставок начала XX века была представлена русская борзая, поразившая европейцев, а следом и американцев, своей грацией. И вот уже в 1920-х годах модные девушки выбирали своим аксессуаром борзую. Собака с вытянутым изогнутым экстерьером должна была подчеркнуть элегантность своей хозяйки. Как, например, демонстрировала звезда немого кино Теда Бара. Этот же модный живой атрибут представлен в работах Отто Пёрцель «Аристократы» и Дмитрия Чипаруса «Друзья навеки»

Дмитрий Чипарус. Друзья навеки

Пёрцель Отто (1876-1963). Аристократы

На работы мастеров ар-деко оказал влияние и стиль авангард. Этот стиль, активно развивающийся в начале XX века, органично вплетен в декоративно-прикладные предметы интерьера, к которым относятся и вот эти часы. Постаменты некоторых музейных скульптур становились значимой частью всего художественного образа.

Небольшая группа скульптурных миниатюр на комоде принадлежит австрийскому мастеру Герде Готтштайн, работавшей под псевдонимом Гердаго. Она прожила 97 лет, и, будучи художником по костюмам в театре и кино, успела поработать с разными стилями в одежде. Ей принадлежат модели роскошных бальных платьев для Роми Шнайдер в фильмах об императрице Сисси. Но это было в середине 1950-х, а в 1920-х годах у Гердаго был совсем иной взгляд на тему моды, о чём она поведала, создав эти бронзовые, покрытые яркой эмалью фигурки.

Огромные головные уборы, которые невозможно было бы носить, рукава с раструбами, шаровары и многослойность — модные атрибуты предполагаемого будущего от Гердаго двадцатых годов.

Помимо скульптур и мебели, в музее есть несколько декоративных панно. Одно из них — «Охота» — выполнено в 1935 французским мастером Жаном Дюнаном для курительного салона французского океанского лайнера «Нормандия». Это авторский повтор, а подлинник погиб при пожаре. «Нормандию» называли плавучей выставкой французского декоративного искусства: там были зимний сад, сад с экзотическими птицами, кинотеатр и множество предметов современного европейского искусства. «Охота» входила в серию панно на тему мужских игр и удовольствий. Кроме охоты, художник изобразил сцены рыбалки, сбора винограда и объездку дикой лощади. Панно выполнено в традиционной японской технике «уруши» — лакирование, которой Жан Дюнан обучался у переехавшего в Париж японского художника Сейзо Сугоара. Лак защищал панно от воды, огня и даже от электрического разряда.

Жан Дюнан (1877–1942). «Охота». Авторская копия панно, созданного для сигарного салона лайнера «Нормандия» около 1935 г. Гипс, полихромные лаки, золочение. 120х80 см

«Нормандию» спроектировал русский инженер Владимир Юркевич, эмигрировавший после революции во Францию. Его проект трансатлантического лайнера был признан лучшим среди конкурсных работ, т.к. им была предложена оптимальная форма корабля, позволявшая при меньших затратах топлива развивать большую скорость. Благодаря этому «Нормандия» получила «Голубую ленту Атлантики» как самое быстрое судно в мире.
С начала Второй мировой войны, после сдачи Франции немцам, «Нормандия» была арестована и оставалась у берегов Америки. В феврале 1942 года на судне произошёл пожар. Лайнер стали заливать водой, из-за чего оно накренилось набок и стало тонуть. На тот момент в Америку перебрался и Владимир Юркевич, хорошо знавший устройство своего судна. Он предлагал доступный и простой способ, при котором можно было посадить «Нормандию» вертикально на дно, что избавило корабль от повреждений, и облегчило его последующий подъем. Но американские власти проигнорировали советы Юркевича, и судно бесславно погибло. А вместе с «Нормандией» затонули и все предметы искусства.
Возможно поэтому, став профессором Колумбийского университета, при всем сложном отношении с родиной, свои архивы он завещал Санкт-Петербургу, хотя американцы и желали заполучить эти документы для своих библиотек.

Обаяние двадцатых во многом заключалось в роскошной и лихорадочной атмосфере кабаре и мюзик-холлов с их яркими и экзотическими шоу. Центральное место в экспозиции занимает монументальное панно парижского декоратора Пьера Бобо, созданное по заказу для легендарного бального зала Roseland в Нью-Йорке, на сцене которого выступали все ведущие джазовые исполнители и биг-бэнды.

Пьер Бобо (1902–1974). Панно, созданное для Roseland Ballroom в Нью-Йорке около 1947 г. Гипс, масло, золочение, лак

В собрании музея широко представлено и творчество Эдгара Брандта — ведущего мастера по художественной ковке эпохи ар-деко. В основной экспозиции музея можно увидеть набор стульев для столовой, дизайн которых был разработан Брандтом в середине 1920-х годов и представляет очень редкий образец творчества мастера. В 1960-е годы, в период возрождения интереса к ар-деко, аналогичный набор стульев Брандта был приобретен Энди Уорхолом. Несколько экземпляров в настоящий момент находятся также в музее Метрополитен в Нью-Йорке.

Развитие стиля ар-деко было прервано Второй мировой войной. Вторая волна интереса к стилю ар-деко пришлась на 1960-е годы. В 1966 году на вновь возрожденной выставке в парижском «Musee des Arts Decoratifs» (Музее декоративных искусств) официально утверждается термин «ар-деко». Теперь и в Москве есть свой музей, посвященный этому стилю. Именно в московском музее хранится самое большое собрание работ признанного мастера французского ар-деко Дмитрия Чипаруса.

Это ещё не всё, продолжу завтра…

ornament-i-stil.livejournal.com

Поговорим немного об ар деко. Часть 3 – Ярмарка Мастеров

Продолжая публикации о посещении Музея Ар Деко в Москве, поделюсь фотографиями скульптур, которые являются несомненным украшением коллекциии музея.

В первой и второй частях можно было увидеть некоторые изделия, расставленные на столах и консолях.

Большая часть из них создана румынским скульптуром эпохи ар деко Дмитрием (Деметером ) Чипарусом. Вдохновленный «Русским балетом Дягилева», Мастер (иначе и не назовешь) каким-то чудом заставил застыть в движении грациозных танцовщиц и утонченных танцовщиков. Так и чудится, что еще мгновение и они двинутся в танце под им одним слышную мелодию.

Еще немного не менее чудесных скульптур.

В залах было несколько массивных часов в характерной для ар деко манере.

От этого Зевса аж мурашки по телу пошли! Глядя на его мощь, понимаю спокойствие и удовлетворение Европы.

Кажется, эта скульптура называлась «Русские борзые», в честь популярных в Европе в начале ХХ века русской интеллигенции и выведенной породы собак.

Именно так видется мне доброе утро!

До сих пор не понимаю, как можно в камне или металле передать красоту женского тела, нежность тончайшей ткани и поймать движение души? Потрясающе!

И в конце, моя любимая скульптура! Отсняла ее в разных ракурсах. Такой душевности и яркого проявления чувств давно не видела 🙂

Друзья! Мною отсняты далеко не все экспонаты музея Ар Деко. Если у вас будет время и желание, посетите его обязательно, тем более, что вход бесплатный. Контакты можно найти в социальных сетях.

Спасибо за просмотр! Вдохновения и удачных творческих поисков!

www.livemaster.ru

Бьющая по глазам роскошь Арт деко — Эстетика эпохи джаза (часть 1)

Жорж Барбье (1882-1932) — В театре

Marilyn Monroe — I Wanna Be Loved By You (soundtrack «Some Like It Hot»)
Мэрилин Монро — Хочу быть любимой тобой (саундтрек к фильму «Некоторые любят погорячее», в нашем прокате — «В джазе только девушки»)
Композитор — Адольф Дейч

Статуэтка в стиле арт-деко (бронза и слоновая кость)
Фердинанд Прейсс (1882-1943)

Арт-Деко (или Ар-Деко) — в сокращённом виде название французской выставки «L’Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes» (Международная выставка современных промышленных и декоративных искусств), которая состоялась в 1925-ом году в Париже. На этой выставке были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался мировым центром стиля и после Первой мировой войны.
Однако в то время стиль еще называли разными именами — «джазовый модерн», «зигзаг модерн», «обтекаемый модерн». И нынешнее название закрепилось за ним лишь в 1966-ом году после возрождения международной выставки в Париже.

Арт-Деко — художественный стиль оформления интерьеров, изделий прикладного и декоративного искусства, моделирования одежды, разнообразных ювелирных украшений, дизайна прикладной графики и промышленной продукции. Некоторые исследователи считают арт-деко вариантом или ранней формой модернизма.
На развитие стиля арт-деко в Европе оказали свое влияние гастроли «Русского балета» (1908-1929) Сергея Дягилева (1872-1929) с его яркими костюмами и декорациями, а также показы модной одежды от Поля Пуаре (1879-1944) — влиятельнейшего в мире моды своего времени модельера.
Интерьер в стиле арт-деко позаимствовал абстрактные формы из авангардного искусства конструктивистов, кубистов, фовистов и футуристов.

Для стиля Арт-деко характерны строгость вертикальных линий и скругленность углов, смелые геометрические формы, этнические (африканские и азиатские) геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, редкие породы дерева, алюминий, бронза, серебро). Родившись во Франции, стиль арт-деко со временем расползся по Европе и перешагнул через океан.
В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах арт-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

Войны в истории человечества всегда были вехами, которыми размечалось не только историческое время, но и время направлений в искусстве. Арт-деко окончательно оформился после Первой мировой войны и царствовал вплоть до Второй. После Второй мировой войны арт-деко резко пошёл на спад и практически исчез, пока уже в наше многовекторное время не стал одним из модных трендов, правда, в значительно более современном и функциональном виде. Периодически и раньше наблюдался всплеск интереса к арт-деко, особенно, в 60-х годах XX века.

Арт-деко это еще и «стиль гранд туризма», поскольку именно на период между двумя мировыми войнами приходится расцвет дорогих путешествий между городами, странами и континентами. Главные транспортные средства — трансатлантический круизный лайнер «Нормандия» и культовый поезд «Восточный экспресс», роскошные интерьеры которых были выдержаны в модной для того времени стилистике.

Интерьеры лайнера «Нормандия» — фотографии с сайта The magazine ANTIQUES

Словом, роскошь и шик во всём, недаром арт-деко называли стилем финансовой элиты и звёзд Голливуда. Поскольку это стиль очень богатых людей, то наибольшее распространение он получил в США.

Шкатулка-статуэтка «Дама в широком платье с цветами» в стиле арт-деко
Франция — дизайнерский дом RABJ (1920)

Каждому времени кроме направления в живописи и скульптуре, стиля архитектуры, дизайна и стиля одежды соответствует и определённый музыкальный стиль. В период между двумя мировыми войнами это был джаз, наибольший расцвет которого пришёлся на период между концом 10-х и началом 30-х годов, полностью захватывая период «сухого закона» в США (1920-1933), во время которого существовал национальный запрет на продажу, производство и транспортировку алкоголя.

Джаз (jazz) — форма музыкального искусства, возникшая в конце XIX — начале XX века в США в результате синтеза африканской и европейской культур и получившая впоследствии повсеместное распространение. Джаз характеризуют импровизация, изощрённый ритм, основанный на синкопированных фигурах и уникальный комплекс приёмов исполнения ритмической фактуры — свинг.
Свинг (swing — покачивание) — джазовый ритмический рисунок, при котором первая из каждой пары играемых нот продлевается, а вторая сокращается.

Время диктует свои правила и в литературе. Классический образец писателя эпохи джаза — классик американской литературы, приятель и постоянный литературный соперник Эрнеста Хэмингуэя (1899-1961) — писатель Френсис Скотт Фицджеральд (1896-1940) с его знаменитым романом «Великий Гэтсби» (1925). Роман несколько раз экранизировался.

Кстати, термин «эпоха джаза» или «век джаза» был придуман именно Скоттом Фицджеральдом и обозначал период американской истории с момента окончания Первой мировой войны и до начала великой депрессии 1930-х годов. Причем под этим словом в первую очередь понимались деньги и всё, что они могли дать, во вторую — секс, и только в третью — музыка.

Жорж Бабрье (1882-1932) — Любовь слепа

Великий Гэтсби — фильм производства США и Австралии (2013)
Режиссёр — Баз Лурман

Джей Гэтсби — Леонардо Ди Каприо

Модные критики рассматривают этот фильм как энциклопедию стиля эпохи арт-деко. Даже оформление титров фильма соответствует этому стилю. Появился термин: шрифт «великий Гэтсби».

Фильм необыкновенно зрелищный, но режиссура и актёрская игра лично мне больше нравится в фильме выпуска 1974-го года, возможно, потому что Леонардо ди Каприо не относится к тем актерам, которым я симпатизирую.

Постер к фильму «Великий Гэтсби» (2013)

Постеры к фильму «Великий Гэтсби»
Элизабет Дебики в роли Джордан Бейкер, как теперь говорят, — образец иконы стиля того времени.

Великий Гэтсби (1974)
Режиссёр — Джек Клэйтон

Джей Гэтсби — Роберт Редфорд

Жорж Барбье (1882-1932) — Прощание

Шкатулка-статуэтка «Белая звезда» в стиле арт-деко
Франция — дизайнерский дом RABJ (1928)

Жорж Барбье (1882-1932) — Джаз бэнд

Benny Goodman Quartet — Moonglow
Квартет Бенни Гудмена — Лунный свет

Бенни Гудмен (Бенджамин Дэвид Гудмен — Benjamin David Goodman), родился в 1909-ом году в Чикаго, — американский джазовый кларнетист и дирижёр, имевший прозвище «Король свинга».
Умер в 1986-ом году в Нью-Йорке.

Широкое распространение джаз получил благодаря началу проведения масштабных радиопередач в 1922-ом году. Проводились трансляции выступлений любительских групп и биг-бэндов из таких городов как Нью-Йорк и Чикаго.

Биг-бэнд (big band) — большой джаз-оркестр. Первые биг-бэнды появились в 1920-х годах в США и были ведущими музыкальными составами в эпоху свинга 1930-х годов.

Биг-бенды часто обозначаются по имени их руководителя. Из наиболее известных в США — это оркестры Дюка Эллингтона, Каунта Бэйси, Бенни Гудмена, Арти Шоу, Гленна Миллера, Куинси Джонса, Флетчера Хендерсона, Пола Уайтмена.

Со временем наименование «биг-бенд» стало использоваться для обозначения больших танцевальных оркестров, вне зависимости от музыкального стиля.

«Sing, sing, sing» by Benny Goodman
«Пой, пой, пой» Бенни Гудмена

Louis Armstrong — When The Saints Go Marching In
Луи Армстронг — Когда святые маршируют

В 1920-1933 годах продажа алкогольных напитков в США была официально под запретом, а в некоторых штатах антиалкогольное законодательство было введено ещё раньше. Первым штатом, введшим «сухой закон» в действие, был Канзас — в 1881 году. Рестораны и бары, где в нарушение закона подавали алкоголь, назывались «спикизи» (speak easy — говорить негромко) в связи с тем, что в них требовалось делать заказы таким тихим голосом, чтобы находящиеся в зале агенты полиции не могли его расслышать.
Непременным атрибутом таких заведений были джазовые оркестры, которые были призваны не только развлекать публику, но и заглушать голоса клиентов.

«Спикизи» в то время представляли одну из немногих возможностей обойти сухой закон. Впрочем, зачастую для торговли подпольным алкоголем использовались не только бары или рюмочные, но и любые другие заведения торговли и сферы услуг, вплоть до похоронных контор.
В 1920-е годы в Чикаго было выявлено около 10 000 заведений по торговле алкоголем, 15 000 — в Детройте, количество подобных мест в Нью-Йорке оценивается числом 30 000 — 100 000.

В 1920-х — начале 1930-х годов подавляющее большинство «спикизи» контролировались различными гангстерскими группами и мафией, извлекавшими из торговли алкогольными напитками гигантские прибыли. На подобных доходах в годы «сухого закона» поднялись такие известные гангстеры, как Аль Капоне, Голландец Шульц, Джордж Моран. В связи с необычайно высокой доходностью торговли спиртным и отсутствием государственного контроля за продукцией клиентам продавался некачественный алкоголь с высоким содержанием сивушных масел, а качественные алкогольные напитки, ввозимые в качестве контрабанды из-за границы, умышленно разбавлялись.

Во избежание неприятностей с полицией обычно разрешалось заходить в «спикизи» только постоянным клиентам или членам клуба, которые могли приводить с собой друзей. Кроме того, хозяева заведения часто имели в полиции оплачиваемых осведомителей, помогавших избежать полицейских облав и неожиданных проверок. Криминальные и комические ситуации, возникавшие вокруг и в «спикизи», многократно обыграны как в американской детективной литературе, так и в кино. Самый известный нам фильм на эту тему «В джазе только девушки» начинается сценой облавы в подобном заведении.

В джазе только девушки (1957)

В ролях: Мэрилин Монро, Тони Кёртис, Джек Леммон

В джазе только девушки (эпизод в поезде)

«Спикизи» постоянно меняли места дислокации и просто закрывались, а вот один из самых знаменитых в прошлом «спикизи», несмотря на многократное изменение местоположения и названия, жив до сих пор. Это 21 Club, он расположен в Нью-Йорке на Манхэттене, 52-я улица.

21 Club in New York City
Клуб «21» в Нью-Йорке

Speakeasy — Ennio Morricone
Спикизи (из музыки к фильму «Однажды в Америке (1984)) — Эннио Морриконе

Отличительная особенность оформления «21» — наличие так называемых «лужаечных жокеев» (lawn jockey): крупных фигурок в жокейской форме. Знаете, по назначению это нечто вроде таких маленьких уродцев — гномиков, которых расставляют у себя в палисадниках и на лужайках рядом с домом. В моём малоэтажном районе каждый уважающий себя домовладелец почитает за честь поставить ~~у себя в огороде~~ перед домом хотя бы одного такого уродца. Если бы они ещё знали, что существуют и огородные жокеи…)))

33 жокея стоят в ряд на балконе над входом, ещё 2 находятся внутри. Первого жокея в 1942-ом году подарил ресторану один из посетителей, владелец лошадиной фермы, и эта традиция успешно прижилась.

Frank Sinatra — All of Me
Фрэнк Синатра — Всего меня

Во времена «сухого закона», сегодняшний «21» подвергался полицейскому обыску бесчисленное число раз, но власти ни разу так и не нашли каких-либо спиртных напитков. В ресторане существовала специальная конструкция, состоящая из системы рычагов, при помощи которых наклонялись полки бара, сбрасывая бутылки вниз по желобу в городские канализационные сети. Эта часть повествования заставляет меня взгрустнуть.)))
Открывался же винный погреб через трещину в бетонной стене. В качестве ключа использовался кусок проволоки.

Сегодня 21 Club весьма респектабельное заведение — в «21» обедали все президенты США, начиная с Франклина Рузвельта (за исключением Джорджа Буша-младшего, хотя его жена и дочери бывали в ресторане).

В ресторане хранились или хранятся поныне личные коллекции вин Джеральда Форда, Джона Кеннеди, Ричарда Никсона, Джоан Кроуфорд, Элизабет Тейлор, Эрнеста Хемингуэя, Фрэнка Синатры, Эла Джолсона, Глории Вандербилт, Софи Лорен, Мэй Уэст, Жа Жа Габор, Аристотеля Онассиса, Джина Келли, Глории Свенсон, Джуди Гарленд, Сэмми Дэвиса, Мэрилин Монро и других известных людей.

Каждое Рождество завсегдатаям ресторана дарят шёлковые шарфы ручной работы, каждый со своим индивидуальным номером и изображением одного из жокеев.

24 января 2009-го года было отменено давнее непреложное правило ресторана: мужчины обязаны были быть в галстуках. Тем не менее, все остальные правила дресс-кода, включая обязательное наличие пиджака, недопустимость джинсов и кроссовок, остались без изменений.

Будете в Нью-Йорке — не проходите мимо. Глядишь, на пятый или десятый раз удастся памятный шарфик получить.)))

Нет, нет, это творение художественной и дизайнерской мысли — обыкновенный ширпотреб и оно никакого отношения к арт-деко не имеет — это то самое огородное пугало, которое американцы называют лужаечным жокеем.

Какое время, такая и музыка — какая музыка, такие и танцы. Джаз и вальс — вещи несовместимые. В начале XX века в моду вошли совсем другие танцы: сначала шимми, затем чарльстон. И тот, и другой появились в Америке и были позаимствованы у чернокожих американцев, уроженцев Африки.

Шимми (shimmy, от to shimmy — вибрировать, колебаться) — американский бальный танец 1910-20-х годов. Музыкальный размер — 4/4, 2/4. Темп умеренный. Исполняется одиночно и в паре, в импровизационной манере, без продвижения по залу. Характерная фигура танца представляет собой извивающееся движение телом, как будто танцующий пытается сбросить с себя застёгнутую рубашку.

Имре Кальман — Шимми (дуэт Мариэтты и Луи-Филиппа)
из оперетты «Баядера»
Поют и танцуют — Галина Петрова и Федор Чеханков

Фрагмент из телефильма «Карамболина-Карамболетта» (1983)

Чарльстон — американский бальный танец 1920-30-х годов, названный в честь города Чарльстон (штат Южная Каролина). Музыкальный размер — 4/4. Темп быстрый. Исполняется в паре, резво и раскованно, с небольшими передвижениями по залу. Для танца характерны острые синкопированные шаги и повороты опорной ноги на подушечках ступней в завёрнутую позицию (носком внутрь), в то время как работающая нога откидывается пяткой назад-вбок или совершает шаг в аналогичную позицию.

Чарльстон стал популярным танцевальным сумасшествием в широких интернациональных кругах американского общества 1920-х. Танец чаще всего ассоциируется с флэпперами и «спикизи».

Флэпперы (flappers) — прозвище эмансипированных молодых девушек 1920-х годов, олицетворявших поколение «ревущих двадцатых». В противовес викторианским идеалам, в соответствии с которыми воспитывали их матерей и бабушек, флэпперы вели себя подчёркнуто свободно и демократично: одевались в достаточно вызывающей по тогдашним временам манере, ярко красились, слушали джаз, имели собственные автомобили, не стеснялись курить и употреблять алкогольные напитки и нередко практиковали случайные связи.

В те времена эти девушки танцевали вместе и поодиночке, подчёркивая этим своё презрение к так называемым «сухарям» (людям, которые поддерживали сухой закон). Чарльстон в те времена считался провокативным аморальным танцем.
В американских бальных школах чарльстону не обучали, поэтому во время появления моды на него был очень большой спрос на прислугу из чернокожих, которые умели танцевать чарльстон и могли бы на дому обучить своих хозяев.

The Charleston Dance (1923 — 1928)

В начале 60-х годов мода на чарльстон возвратилась. Танцевали все и везде. Очень популярной была чешская песенка «Бабушка, научи танцевать чарльстон». Я училась тогда в шестом классе и нас на танцевальные школьные вечера ещё не пускали, так мы на переменках отплясывали, кто во что гаразд. Школа, в которой я училась, находилась в старом 3-х этажном польском здании, где раньше размещался какой-то институт. На каждом этаже был огромный овальный вестибюль (не путать с Овальным кабинетом Белого дома) — танцуй сколько хочешь.

Edita Štaubrtová — Babičko, nauč mě charleston (1961)
Эдита Штаубртова — Бабушка, научи танцевать чарльстон

Статуэтка «Леди Чарльстон»
Англия (The Leonardo Collection) — 2000-е годы

Жорж Барбье (1882-1932) — Выход

Жорж Барбье… О жизни этого человека известно очень мало, но за него говорят его работы. Творчество Жоржа Барбье оказало влияние на развитие такого художественного направления в искусстве ХХ столетия, как арт-деко.

Жорж Барбье (1882-1932) — рисунки дамских нарядов для модных журналов

Georges Barbier — The Master of Art Deco
Жорж Барбье — Мастер Арт деко

Жорж Барбье (George Barbier), родился в 1882-ом году в Нанте (Франция), — французский художник и иллюстратор.

Жорж Барбье изучал живопись в Высшей национальной школе изобразительного искусства в Париже.
Он постоянно участвовал в выставках и стал известен после выставки в галерее Буте де Монвиль.
С 1912-го года и до своей смерти выставлял свои работы в Салоне художников-декораторов.

Жорж Барбье прославился своими эскизами сценических костюмов для Русского балета Дягилева.
В присущей ему манере он сделал цикл рисунков, посвященных звездам русского балета.

Первая книга с иллюстрациями Жоржа Барбье вышла в 1913-ом году. Это был альбом «Вацлав Нижинский. Рисунки танцев».
В 1914-ом году в содружестве с литератором и искусствоведом Жаном-Луи Водойе (1883-1963) Барбье выпустил альбом, посвященный балерине Тамаре Карсавиной.

Жорж Барбье — рисунки, посвящённые Русскому балету Дягилева

Жорж Барбье — рисунки к балету «Шехерезада» в постановке «Русского балета» Дягилева на музыку Римского-Корсакова

Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844-1908) — фрагмент из симфонической поэмы «Шехерезада»
Танцуют — Надежда Грачева и Николай Цискридзе

Барбье делал эскизы костюмов для кино и для крупных французских журналов мод, в которых не только публиковал свои художественные работы, но и критические заметки, был автором моделей для изготовления ювелирных украшений.
Жорж Барбье иллюстрировал всевозможные каталоги и многие литературные произведения, в том числе сочинения Шарля Бодлера, Поля Верлена, Теофиля Готье. Интересны его иллюстрации к роману генерала, изобретателя и писателя Пьера Шодерло де Лакло «Опасные связи» — эта книга стала для Жоржа Барбье последней.

Умер художник в 1932-ом году в Париже.

Жорж Барбье (1882-1932) — иллюстрации к роману Пьера Шодерло де Лакло (1741-1803) «Опасные связи» (Les Liaisons dangereuses)

Шкатулка-статуэтка «Коломбина» в стиле арт-деко
Франция — дизайнерский дом RABJ (1920)

Фердинанд Прейсс (1882-1943) — статуэтки в стиле арт-деко

Иоганн Филипп Фердинанд Прейсс, родился в 1882-ом году в городке Эрбах (Германия), — немецкий скульптор, один из главных представителей стиля арт-деко.

В детстве Фердинанд мечтал стать инженером, но он рано осиротел и ему пришлось с пятнадцати лет работать. Работал он подмастерьем у резчика по слоновой кости.

В 1901-ом году он уехал из родного города, побывал в Риме и в Париже. В Баден-Бадене познакомился со своим будущим партнёром Артуром Касслером, с которым они совместно основали компанию по производству произведений искусства. Сначала их компания специализировалась на изготовлении скульптурок детей из слоновой кости в традиционной манере. В качестве материала часто использовали бильярдные шары.

С 1910-го года компания переориентировалась на ограниченный выпуск кабинетных скульптур в стиле арт-деко. Для более точной обработки золота и слоновой кости Прейсс первым стал использовать бормашину.

В 1914-ом году был налажен экспорт произведений компании в Англию и в США. В Англии компаньоны даже создали небольшое предприятие для сборки скульптур из деталей, изготовленных в Германии. Этим убивались два зайца: немецкое предприятие могло выпускать больше продукции, освободившись от нескольких операций техпроцесса, а наличие английского предприятия освобождало от английского налога на импорт.

Фердинанд Прейсс умер от опухоли мозга в 1943-ем году. С его смертью перестала существовать и компания. Старая мастерская в Риттерштрассе в Берлине, где оставался запас готовых образцов, была уничтожена пожаром в результате взрыва бомбы, незадолго до окончания Второй мировой войны.

Скульптуры Фердинанда Прейсса изготовлены из бронзы холодной окраски, слоновой кости, отделаны при необходимости золотом. В качестве пьедесталов для скульптур использовался оникс и мрамор. Среди изделий компании встречаются светильники и каминные часы со скульптурой.
Изделия

ariananadia.livejournal.com

Стиль арт-деко в интерьере — Дизайн студия Heshi Design

Стиль «ар деко» имеет не только интересное название, но и уникальную историю развития.

Естественно, самостоятельно данный стиль никогда бы не начал свое существование, а со временем на него оказывали влияния и другие дизайнерские течения. Простыми словами, стиль ар-деко подразумевает в интерьере изящность, легкость, роскошь. Отсюда и название с французского art deco — декоративное искусство.

Ар-деко в интерьере в середине прошлого века чаще использовался для оформления отелей, салонов, круизных лайнеров, клубов и других зданий, и считался одним из самых дорогих видов отделки помещений. Сегодня рынок строительных материалов богат ассортиментом, но чтобы не создавать поддельную роскошь в интерьере, необходимо использовать по-настоящему дорогостоящие материалы — серебро, меха животных, нержавеющая сталь, слоновая кость, редкие породы камня и дерева, полудрагоценные камни, крокодиловая кожа.
Что касается цветовой гаммы, в интерьере стиля ар-деко во многом берут верх контрастные сочетания, чаще черно-белые, желто-черные, сине-бордовые, серо-черные, золотые оттенки и прочие.
Дабы создать нужную атмосферу в помещении, лучше не отдаляться от основных мотивов данного стиля. Обычно это использование геометрических фигур, форм ступеней, зигзагов, восточных и египетских форм, искаженных женских силуэтов и веток деревьев, переплетение тропических растений, изображений мифологических существ.
Несмотря на то, что любители современных стилей дизайна считают интерьер ар-деко излишне роскошным, и не приписывают его к любимым дизайнам интерьера, стиль ар-деко можно назвать комфортабельным, что достигается за счет современных инноваций на кухне, в ванной комнате.

Стиль ар-деко не подойдет тем, кому чужды винтажные предметы интерьера, отдельные элементы.

И благодаря именно этим составляющим стиля интерьер будет подчеркивать состоятельность и высокий статус владельца столь роскошного помещения.

При оформлении интерьера в этом стиле используются динамичные линии — чем больше энергии в выбранных формах, тем выразительнее будет выглядеть помещение. К примеру, для оформления стен дизайнеры выбирают обои с контрастным этническим узором с использованием всевозможных дополнительных декоративных элементов — театральные маски, экспрессивные картины, винтажные фотографии, светильники прямых форм и прочее.

К выбору мебели нужно подходить особенно тщательно.

Идеально подойдет кожаная мебель, предметы с округленными углами, декорированными металлом, стеклом, с инкрустированными кристаллами. Этим дизайнеры выгодно подчеркивают роскошь интерьера.

Изысканный стиль ар-деко больше подойдет романтичным натурам, творческим людям, поэтому в интерьере нередко используют яркие цвета или их сочетания, абстрактные картины или фотографии влюбленных пар. Как можно заметить, каждый элемент подбирается с особой тщательностью.
Фантазийный декор комнат, шикарная меблировка, гармоничное сочетание дизайна с современными технологиями — обычно это основные составляющие идеи стиля ар-деко в интерьере. Но подход нужен к каждому заказчику отдельно, поэтому можно найти и более аскетичные предметы мебели с оригинальными формами, но без вычурного шика.

Уникальность стиля Ар-деко.

Ар-деко уникален тем, что применять его можно для оформления отдельных комнат, если, к примеру, владелец не желает декорировать весь дом, а воссоздать отдельный образ только в спальне или гостиной.
По своей сути, ар-деко — это смешение стилей неоклассицизма и модерна с нотками футуризма и кубизма. В послевоенные годы особенно «звездам» полюбился этот стиль, который позволял показать состоятельность и изысканный вкус владельца. Чтобы наглядно показать пример стиля ар-деко, можно вспомнить оформление круизного лайнера «Титаник» в современной экранизации или другие исторические голливудские фильмы о богатых людях.
Можно свободно применять в оформлении интерьера ар-деко эклектику, этнические или даже архаичные элементы, предметы из различных устаревших культур. Самое интересное — этот стиль выдержит любое вмешательство в него дополнительных решений, но важно соблюдать гармонию в помещении. Если есть желание добавить индейскую маску, «ловушку снов» из костей и зубов животных или другие предметы из подобных культур, то только в то помещение, где уже есть в оформлении растительные и животные узоры, экзотические статуэтки. Кстати, студия Heshi Design может помочь в оформлении подобных интерьеров.

Отдельное внимание стоит уделить кухне в стиле ар-деко.

Ар-деко позволяет игнорировать стандартные цветовые решения для столовых, исключая пастельные тона из цветовой гаммы для оформления. То есть, если любители минимализма сделают кухню в светло-желтых, голубых, розовых тонах, то ар-деко позволит сочетать их с другими яркими цветами. Можно добиться колористического акцента и в более сдержанных тонах — бело-красный, желто-черный, сине-голубой, причем все темные оттенки можно минимально добавлять полосками или предметами декора — кристаллами на люстре, салфетками, рамками фотографий и другой мелочью.
Самостоятельно создать ар-деко нетрудно, но профессионалы советуют соблюдать гармонию в помещении, выдерживать каждый предмет в основном стиле. Благодаря этим простым правилам, можно разместить в одной комнате большое количество деталей, и, несмотря на это, помещение будет казаться упорядоченным.

Ар-деко быстро завоевал популярность не только среди публичных людей, но и простых граждан. Кто не мечтает жить хорошо, казаться состоятельным человеком — особенно остро этот вопрос стоял после войны, поэтому эта «буржуазная роскошь» быстро начала наполнять дома многих людей. Сначала использовались любые материалы для создания винтажного пространства в домах, но их заменили дорогостоящим строительным сырьем, а декоративные элементы стали изготавливаться на заказ.

Эксклюзив — один из самых точных описательных моментов стиля ар-деко.

Поэтому стало очень престижно иметь в доме что-то очень дорогое, уникальное, сделанное по особому заказу. Это может быть картина известного художника, статуя из экзотического дерева или любая другая скульптура, созданная из очень дорогих материалов.
Несмотря на популярность этого стиля, использовать его можно не во всех помещениях. К примеру, к офису или небольшому загородному домику такое оформление не подойдет, а вот дом, частные апартаменты или дача с большой территорией спокойно могут выдержать стиль ар-деко.

heshi-design.com

Millennium: Антикварные статуэтки эпохи ар-деко

АР ДЕКО (франц. art deco, сокр. от art decoration) – стиль в декоративном искусстве и архитектуре, распространённый во Франции, многих европейских странах и США c середины 20-х по конец 40-х годов. Его создатели черпали вдохновение в самых разных эпохах и направлениях истории искусства, сочетали несочетаемое, комбинировали дорогие материалы: слоновую кость, крокодиловую кожу, редкие породы дерева, серебро. Таким образом был создан последний стиль, ориентированный на прошлое, до сих пор остающийся синонимом роскоши и шика.

Прекрасные антикварные статуэтки эпохи Эпохи ар деко (1920-1930), выполненные из золочёной бронзы, слоновой кости, оникса, мрамора мастерами Франции и Германии. Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже, дала жизнь термину «ар-деко» и формализовала рождение нового стиля. Эти фигурки несут в себе все основные художественные отличия стиля Ар Деко и выражают дух оптимизма и свободы, характерный для этого времени.

В основном это были женские фигурки, а также танцевальные пары и дуэты. Мужские фигурки встречаются гораздо реже. Это спортсмены, мифические божества или даже клоуны. Фигурки животных в стиле Ар Деко не так редки. В основном это представители семейства кошачьих (ягуары, тигры, пантеры), олени, газели и, конечно, борзые, отличающиеся особой красотой и изяществом. Однако в большинстве своем животные были лишь частью композиций, в центре которой была женщина. Обнаженные и полуобнаженные женские фигурки – фавориты эпохи.

Основателем этого стиля считается Фердинанд Прейс. Один из самых известных его учеников – Деметр Чипарус (Demetre Chiparus), специализировавшийся на фигурках танцовщиц. Чипарус уделял особое внимание передаче текстуры экзотических костюмов. В этом он превзошёл даже своего учителя Фердинанда Прейса. Особой любовью и источником вдохновения для Чипаруса был Русский Балет Дягилева, оказавший огромное влияние на художественное сообщество Европы. Работы другого известного скульптора эпохи Ар Деко, Бруно Заха, наполнены более жёстким эротизмом и зачастую граничат с вульгарностью.

Статуэтки мастеров эпохи Ар Деко были массовыми произведениями. При их производстве художники только отбирали материалы и тщательно разрабатывали модель. Отливку из бронзы, резьбу по кости, роспись и т.п. выполняли в различных мастерских.

Фигурки эпохи Ар Деко долгое время были недооценены, так как их пытались судить по тем же стандартам, что и классическую скульптуру. Сейчас эти лёгкие, забавные произведения заняли свое особенное место. В наше время эти фигурки ценятся очень высоко. Их стоимость на аукционах растёт каждый день. За $ 120 тысяч год назад была продана Etoile de Mare’ (Морская звезда) на аукционе в графстве Девон, Великобритания.

Взял здесь: http://www.liveinternet.ru/users/3094518/post218925481/

alexsanyabr.blogspot.com

Музей Ар Деко

Долго собиралась, и вот наконец-то я посмотрела эту крупнейшую коллекцию предметов ар-деко. Московский музей Ар Деко находится в историческом здании, являющимся памятником промышленной архитектуры (1883 г., архитектор — В.В. Столяров), на Лужнецкой набережной, дом №2/4. Изначально в нём был завод по производству химических красителей и фармацевтики Фридриха Байера, затем военной и авиационной промышленности, сейчас — это территория бизнес-центра. Пешком минут за десять — пятнадцать можно дойти от станций метро: Воробьевы горы, Спортивная и Университет. На прилегающей территории есть небольшая стоянка для машин.

Музей Ар Деко создан два года назад предпринимателем и меценатом М.О. Окрояном. Музейная коллекция, кроме произведений из бронзы и слоновой кости периода 1920-1930-х годов, включает мебель, светильники, много ковки, а также лампы и всевозможные консоли.

В период с 1918 по начало 30-х годов Европа переживала настоящий художественный, культурный и социальный бум, главными центрами которого стали Париж и Берлин, отчасти Вена.

Раньше эта музейная коллекция размещалась в двух залах, теперь — в одном. И мне показалось, что выставочное пространство слишком перегружено изящными предметами и больше напоминает антикварный салон, чем музей.