Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения

Новое направление в искусстве появилось в середине ХХ века в Британии – Поп-арт  (англ. pop-art, сокращение от popular art), целью которого было, в отличие от других направлений, не духовное развитие общества, а лишь развлечение.

Поп-арт это одна из веток авангардизма. Произведения в новом стиле были своеобразной реакцией на серьезность беспредметного искусства и других стилей, появившихся в ХХ веке, и не несли в себе никакого  глубокого философского смысла, а всего лишь отражали влияние массовой культуры на общество потребления.

История развития Поп-арта

Поп-арт как художественное направление зародился в 50-х годах ХХ века в Англии, а в 60-х годах стиль получил своё дальнейшее развитие в США, Нью-Йорке. Основоположниками поп-арта стали художники Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

В 1952 году в Лондоне открылось объединение художников поп-арта «Независимая группа», которой руководили художники Э. Паолоцци и Р. Гамильтон. Участники объединения изучали технологии создания современной рекламы и её влияние на сознание общества с помощью популярных образов — эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей: актёров, певцов, телеведущих.

Художники поп-арта впервые продемонстрировали свой талант на выставке «Это — завтра», которая состоялась в Голливуде в 1956 году. На картинах были представлены звёзды Голливудского кино в кадрах из кинофильмов с увеличением. Выставка привлекла большое количество посетителей и вызвала явный интерес у многих выпускников школы искусств, которые решили примкнуть к этому течению.

Поп-арт был признан искусством социального равенства благодаря тому, что это направление эстетизировало товары массового потребления: упаковки из-под печенья и шоколадок, банки популярных газированных напитков — одним словом, предметов, которыми пользуются все люди, вне зависимости от материального положения и социального слоя.

Художники

Самые известные мастера поп-арта:

Кит Харинг — американский художник, скульптор и общественный деятель, автор известных карикатур. C детства увлекался комиксами, влияние этого увлечения сказалось на дальнейших работах художника. Известность пришла к Харингу после появления его работ по росписи на стенах Нью-Йоркского метрополитена в начале 80-х.

 

 

 

Дэвид Хокни – британский художник, один из основателей поп-арта, а так же один из лучших мастеров данного стиля.

 

 

 

Джаспер Джонс — американский художник, одна из ключевых фигур стиля поп-арт, автор большого количества авангардных работ с изображением флага США.

 

 

Рой Лихтенштейн – американский художник, знаменитый своими работами в стиле поп-арт, автор комиксов. Свои первые работы Рой создавал, используя картинки из мультфильмов и комиксов, при этом он применял технологию из промышленной печати.

 

 

 

Уэйн Тибо — американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек.

 

 

Энди Уорхол (Andy Warhol) американский художник, по происхождению русин. Один из самых известных мастеров в истории поп-арта и современного искусства. Как и многие молодые художники, начинал он свою карьеру с оформления витрин магазинов. Одной из первых его работ было иллюстрирование журналов. Его рисунки отличались эксцентричностью и крайней необычностью исполнения.

 

 

 

Присущие особенности стилю поп-арт

В основе поп-арта лежит изображение популярного символа: портрета звезды кинематографа или эстрады, эмблемы или логотипа всем известного лакомства или напитка. Для поп-арта характерна техника в стиле коллажа, фотопечати, чередование разных текстур, яркие цвета, а также надписи в форме девиза или слогана, благодаря которым картина почти не отличается от рекламного плаката.

Критика и значение стиля в искусстве

Несмотря на интерес общества и большое количество приверженцев, находились искусствоведы, которые критиковали поп-арт. Знаменитый художественный критик Хилтон Крамер считал поп-арт слишком примитивным, прививающим вульгарность и безвкусицу обществу. По мнению критика, поп-арт — это не более чем обычная реклама, которую по ошибке назвали художественным направлением.

К его мнению присоединился критик С. Куница, который высказывал опасение в том, что поп-арт приведёт к формированию конформистского, бездуховного общества, которое не интересуется ничем, кроме ежедневного потребления товаров и услуг.

Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров.

Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.

В одной из своих работ по аэрографии на холодильнике наши художнки использовали стиль поп-арт для воплощения в жизнь оригинальной и творческой задумки заказчиков

Поп арт стиль в живописи: история художники картины

Поп-арт – это направление в искусстве, основанное на объектах массовой культуры и направленное на развлечения, коммерцию, а не на поиск глубинного смысла, философию и духовность. Ведущую роль в развитии направления играли: реклама, мода, тренды, иконы стиля, различные средства популяризации и коммерческого продвижения. Поп-арт был реакцией на серьезность абстракционизма и других стилей искусства 20 века. Стиль называют одним из ответвлений искусства авангарда.

Оглавление

История развития стиля

Это было одно из наиболее значимых и влиятельных художественных движений в живописи и других направлениях искусства 20 века, характеризуется специфическим выбором тем и методов, взятых из массовой популярной культуры. Стиль нацелен на широкую аудиторию, поскольку использует популярные образы. Благодаря доступности и простоте, поп-арт имел популярность.

Движение было основано в 1950-х годах, пиком популярности стали 1960-е. Родина поп-арта – Великобритания, но наибольшего развития движение достигло в США, где столицей этого культурного направления стал Нью-Йорк. Основателями и наиболее известными творцами в стиле поп-арт были Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

Минимализм как стиль в живописи

Независимая группа

Первые шаги нового стиля в живописи были связаны с деятельностью «Независимой группы» художников и архитекторов, основанной в 1952 году в Лондоне. Они первыми применили современные технологии для создания полотен с ведущими мотивами массовой и городской народной культуры. Основой для изучения стали американская культура. Пионеры стиля Э.Паолоцци и Р.Гамильтон изучали психологические влияния массовой культуры, ее смысл, лингвистическое содержание. В первую очередь, интересовали методы промышленной рекламы, современные технологии изготовления рекламы, техника создания коллажей.

Это – завтра

В 1956 году состоялась выставка «Это – завтра». Живописцы представили на суд общественности картины в стиле поп-арт, на которых были изображены звезды Голливуда, кадры из известных кинофильмов с увеличением. Именно после выставки к течению присоединились многие выпускники школы искусств, которых вдохновил новый стиль.

США

В США стиль развился и популяризировался. Здесь большое внимание уделяли эстетизации банального – упаковки, товаров массового потребления. Суть американского поп-арта: предметы, которые потребляют люди, делают представителей разных социальных слоев равными между собой. Таким образом, поп-арт – искусство социального равенства.

Конструктивизм как направление авангарда

Как термин

Термин, используемый для определения стиля, появился в 1955-1957 годах, благодаря Л.Эллоуэю – британскому критику. Самого автора понятия удивлял факт, что термин начали использовать для определения целого культурного движения. Сам Эллоуэй имел в виду продукты, имеющие коммерческое назначение, принадлежащие к элементам средств массовой информации.

Художники

Наиболее известные представители направления:

Кит Гаринг

Художник из Нью-Йорка, известен карикатурами. На его работы оказало влияние искусство граффити.

Дэвид Хокни

Считается одним из наиболее известных английских художников 20 века. Хокни был одним из лидеров развития поп-арта в Великобритании.

Джаспер Джонс

Известен картинами с изображением американского флага. Одна из известнейших работ – «Числа в цвете».

Рой Лихтенштейн

Один из известных создателей комиксов.

Уэйн Тибо

Прославился, благодаря картинам с изображением тортов, пирожных, игрушек.

Энди Уорхол

Наиболее знаменитый творец в стиле поп-арт. Узнаваем, благодаря использованию повторяющихся портретов и ярких оттенков в работах.

Особенности работ в стиле поп-арт

Используются изображения и значки, которые популярны в современном мире. Это портреты знаменитостей, звезд кино и музыки, предметов – например, безалкогольных напитков, комиксов, а также любые другие эмблемы и изделия, которые пользуются популярностью в коммерческом мире.

• В живописи используются яркие цвета, технику создания коллажей, объединяют в одном изображении несколько логически невзаимосвязанных объектов.
• Поп-арт полотна трудно не заметить в интерьере – они станут ярким акцентом в помещении, оформленном в современном стиле. Стиль поп-арт подразумевает использование различных текстур.
• Картина может включать надписи, слоганы, девизы – она напоминает рекламный плакат.
• Для создания работ применялись техники фотопечати, комбинирования с реальными предметами, проектирование.
• Эстетические идеалы были заимствованы из массовой культуры, популяризированной средствами массовой информации.
• Приемы художники заимствовали из промышленной рекламы.

История живописи эпохи барокко

Стиль неоднократно подвергался критике. В 1962 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке провели симпозиум по поп-арту. Известный критик Х.Крамер настаивал на том, что необходимо противостоять развитию поп-арта, поскольку он популяризирует банальность, вульгарность, безвкусицу. По мнению критика, поп-арт – обычная реклама, которую пытаются облачить в форму искусства.

По мнению другого критика – С.Куница – поп-арт является продуктом пропаганды, а нацелен на формирование конформистского общества, преследующего сугубо потребительские цели. Вся символика и слоганы, по мнению Куница, превращали рекламные плакаты в псевдо искусство.

Цель поп-арта, которую вкладывали в свои работы художники – вернуться к реальности, от которой отступили абстракционисты. Главным звеном творчества стал предмет, связанный с индустриальной культурой, кинематографом, печатными изданиями, телевидением.

Значение стиля в искусстве

Поп-арт является не только направлением в живописи – это философское течение, которое исследует особенности влияния массовой культуры. Стиль стал интеллектуальной формой искусства второй половины 20 века.

Стиль развился в других направлениях современного искусства. Ведущие деятели поп-арта оказали существенное влияние на моду – в одежде и интерьере. Э.Уорхол, Р.Лихтенштейн, К.Харинг, Я.Кусама создали работы, которые используются известными дизайнерами в качестве принта для декорирования предметов гардероба или помещений.

Обзор движения поп-арта | TheArtStory

Краткое изложение поп-арта

Освежающее повторное введение в поп-арт узнаваемых образов, взятых из средств массовой информации и популярной культуры, стало важным сдвигом в направлении модернизма. Имея корни в нео-дадаизме и других движениях, которые подвергали сомнению само определение «искусства», поп-музыка зародилась в Соединенном Королевстве в 1950-х годах в условиях послевоенного социально-политического климата, когда художники обратились к воспеванию обыденных предметов и возвеличиванию повседневного до уровня уровень изобразительного искусства. Американские художники Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джеймс Розенквист и другие вскоре последовали их примеру и стали самыми известными поборниками движения в собственном отказе от традиционных исторических художественных сюжетов вместо вездесущего проникновения современного общества в продукты и изображения массового производства. которые доминировали в визуальной сфере. Возможно, благодаря включению коммерческих изображений поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Удалить рекламу

Ключевые идеи и достижения

• Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арт стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Представление об отсутствии иерархии культуры и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.
• Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как поп-артисты искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, карикатур и популярных образов в целом. Но, пожалуй, точнее будет сказать, что художники поп-музыки первыми осознали, что нет прямого доступа к чему бы то ни было, будь то душа, мир природы или искусственная среда. Поп-артисты считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих работах.
• Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, многие из них несколько эмоционально удалены. В отличие от предшествовавшего ему «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт вообще «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или шокированное отступление, было предметом многочисленных споров.
• Поп-исполнители, похоже, восприняли бум производства и СМИ после Второй мировой войны. Некоторые критики назвали выбор образов в поп-арте восторженным одобрением капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие отметили элемент культурной критики в возвышении поп-художниками повседневности до уровня высокого искусства: привязка товарного статуса представленных товаров к статусу самого предмета искусства, подчеркивая место искусства как, по сути, товара.
• Некоторые из самых известных художников поп-музыки начали свою карьеру в коммерческом искусстве: Энди Уорхол был очень успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника по рекламным щитам. Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и популярной культуры.

Удалить рекламу

Обзор поп-арта

От первых лондонских новаторов до более поздней деконструкции американских образов такими, как Уорхол, Лихтенштейн, Розенквист — движение поп-арт стало одним из самых востребованных художественных направлений.

Начало и развитие

Концепции, тенденции и смежные темы

Дальнейшее развитие и наследие

Произведения искусства и художники поп-арта

Развитие искусства

Произведения искусства

0047 1944 с игрушка

Художник: Эдуардо Паолоцци

Паолоцци, шотландский скульптор и художник, был ключевым представителем британского послевоенного авангарда. Его коллаж «Я был игрушкой богача » оказался важной основополагающей работой для движения поп-арта, объединив документы поп-культуры, такие как обложка криминального чтива, реклама Coca-Cola и объявление о вербовке в армию. Работа иллюстрирует немного более мрачный тон британского поп-арта, который больше отражает разрыв между гламуром и богатством, присутствующим в американской популярной культуре, и экономическими и политическими трудностями британской реальности. Как член независимой группы, Паолоцци подчеркивал влияние технологий и массовой культуры на высокое искусство. Его использование коллажа демонстрирует влияние сюрреалистического и дадаистского фотомонтажа, который Паолоцци применил, чтобы воссоздать шквал изображений средств массовой информации, с которыми сталкивается повседневная жизнь.

Коллаж — Коллекция Тейт, Великобритания

1956

Что же делает современные дома такими разными и такими привлекательными?

Художник: Ричард Гамильтон

Коллаж Гамильтона стал основополагающим произведением для эволюции поп-арта и часто упоминается как самая первая работа движения. Созданный для выставки This is Tomorrow в лондонской галерее Уайтчепел в 1956 году, образ Гамильтона использовался как в каталоге выставки, так и на рекламных афишах. Коллаж представляет зрителям обновленных Адама и Еву (бодибилдера и танцовщицу бурлеска) в окружении всех удобств современной жизни, включая пылесос, консервированную ветчину и телевизор. Построенный с использованием различных вырезок из журнальных рекламных объявлений, Гамильтон создал домашнюю внутреннюю сцену, которая одновременно восхваляла потребительство и критиковала декаданс, который был символом послевоенных лет экономического бума в Америке.

Коллаж — Кунстхалле Тюбинген, Германия

1960-61

Избранный президент

Художник: Джеймс Розенквист

Как и многие поп-исполнители, Розенквист был очарован популяризацией политических и культурных деятелей в средствах массовой информации. На своей картине «Избранный президент » художник изображает лицо Джона Ф. Кеннеди среди множества потребительских товаров, включая желтый «Шевроле» и кусок пирога. Розенквист создал коллаж из трех элементов, вырезанных из их исходного медийного контекста, а затем фотореалистично воссоздал их в монументальном масштабе. Как объясняет Розенквист, «лицо было с предвыборного плаката Кеннеди. В то время меня очень интересовали люди, которые рекламировали себя. Почему они размещали рекламу о себе? Таково было его лицо. кусок чёрствого пирога». Крупномасштабная работа иллюстрирует технику Розенквиста по комбинированию отдельных изображений с помощью методов смешивания, блокировки и сопоставления, а также его умение включать политические и социальные комментарии с использованием популярных образов.

Мазонит, масло — Центр Жоржа Помпиду, Париж

Artwork Images

1961-62

Ящик для кондитерских изделий, I

Художник: Клас Ольденбург

Ольденбург известен как один из немногих американских скульпторов поп-арта, печально известный игриво-абсурдные творения из еды и неодушевленных предметов. Коллекция работ Pastry Case, I первоначально была представлена ​​в знаменитой инсталляции художника 1961 года под названием The Store , расположенной в Нижнем Ист-Сайде Нью-Йорка. Для проекта Ольденбург создал гипсовые скульптурные объекты, в том числе клубничное песочное печенье и засахаренное яблоко. В дополнение к тиражированию предметов потребления Ольденбург организовал свою инсталляцию как типичный универсальный магазин и продавал свои товары по низким ценам, комментируя взаимосвязь между предметами искусства и товарами. Хотя скульптуры продавались так, как если бы они были произведены серийно, скульптуры в The Store были тщательно изготовлены вручную, а щедрые, выразительные мазки, которыми покрыты предметы в Кондитерская коробка, I , кажется, высмеивают серьезность абстрактного экспрессионизма, распространенную тему в поп-арте. Ольденбург сочетает вызывающий воспоминания экспрессионистский жест с товаром в очень ироничной среде.

Расписные гипсовые скульптуры на керамических тарелках, металлическом блюде и чашках в футляре из стекла и металла. Музей современного искусства, Нью-Йорк

1963

Тонущая девушка

Художник: Рой Лихтенштейн

В начале 1960-х годов Лихтенштейн прославился как ведущий поп-художник, создавший картины на основе популярных комиксов. Хотя такие художники, как Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс, ранее интегрировали популярные образы в свои работы, до сих пор никто не сосредоточивался на мультяшных образах так исключительно, как Лихтенштейн. Его творчество, наряду с творчеством Энди Уорхола, ознаменовало начало движения поп-арта и, по сути, конец абстрактного экспрессионизма как доминирующего стиля.

Лихтенштейн не просто копировал страницы комиксов напрямую, он использовал сложную технику, которая включала обрезку изображений для создания совершенно новых, драматических композиций, как, например, в Тонущая девушка , исходное изображение которой включало бойфренда женщины, стоящего на лодке над ней. Лихтенштейн также сократил текст панелей комиксов, указав язык как еще один важный визуальный элемент; повторное использование этого символического аспекта коммерческого искусства для его картин еще больше бросило вызов существующим представлениям об определениях «высокого» искусства.

Как и в случае с остальным поп-артом, часто неясно, аплодирует ли Лихтенштейн образу комиксов и общей культурной сфере, к которой он принадлежит, или критикует его, оставляя интерпретацию на усмотрение зрителя. Но в Drowning Girl насмешливость положения женщины (что видно из ее нелепого заявления) очевидна.

Масло на холсте — Масляная и синтетическая полимерная краска на холсте, © Estate of Roy Lichtenstein

1968

Campbell’s Soup I

Художник: Энди Уорхол

Знаменитая серия картин Уорхола, состоящая из Банки супа Кэмпбелл , никогда не предназначалась для прославления за их форму или композиционный стиль, как у абстракционистов. Что сделало эти работы значительными, так это то, что Уорхол использовал общеузнаваемые образы, такие как банка супа Кэмпбелл, Микки Маус или лицо Мэрилин Монро, и изображал их как предмет массового производства, но в контексте изобразительного искусства. В этом смысле Уорхол не просто подчеркивал популярные образы, но, скорее, комментировал то, как люди стали воспринимать эти вещи в наше время: как товары, которые можно покупать и продавать, идентифицируемые как таковые с одного взгляда. Эта ранняя серия была нарисована вручную, но вскоре после этого Уорхол переключился на трафаретную печать, отдав предпочтение механической технике для своих образов массовой культуры. 100 полотен Кэмпбелла из банок из-под супа составили его первую персональную выставку в галерее Ferus в Лос-Анджелесе и почти сразу же поставили Уорхола на карту мира искусства, навсегда изменив лицо и содержание современного искусства.

Скриншот — добросовестное использование

Художественные изображения

1966

Кролики

Художник: Зигмар Польке

После того, как Польке стал соучредителем капиталистического реализма в 1963 году в Дюссельдорфе, Германия, с Герхардом Лехугтером, он начал создавать картины, он начал создавать картины массовой культуры, вызывая как неподдельную ностальгию по изображениям, так и легкий цинизм в отношении состояния немецкой экономики. Он начал имитировать точечные узоры коммерческой четырехцветной печати (растровые точки) примерно в то же время, когда Лихтенштейн начал воспроизводить точки Бен-Дэя на своих холстах. В Кролики , Польке использует изображение из Playboy Club, на котором изображены четыре их «кролика» в костюмах. Воссоздав в этой картине технику растровой точечной печати, Польке подрывает массовый маркетинг сексуальной привлекательности, ведь чем ближе зритель подходит к работе, тем меньше он видит. Кролики и остальные растровые точечные рисунки Польке не вызывают глубокой личной идентификации с изображением, а скорее становятся аллегориями для себя, потерянного среди потока коммерческих образов. Диссонанс между манящей сексуальностью присвоенного образа зайчиков Playboy и отдаляющим эффектом растровых точек перекликается с игрой чувств и эмоций художника, тоскующего по рекламируемой массовой культурой жизни и одновременно отталкивающего ее. время. Взгляд Польке на массовую культуру гораздо более критичен, чем у любого из нью-йоркских художников, и коренится в скептическом отношении, которого придерживаются капиталистические реалисты. Вместо «крутой» отстраненности Нью-Йорка Польке умно критикует популярную культуру и то, как она влияет на человека, используя те же методы создания имиджа для массового рынка.

Масло на каве — Музей Хиршорна и Сад скульптур, Вашингтон, округ Колумбия, США

Artwork Images

1966

Standard Station

Художник: Эд Руша

Гравер, художник и фотограф Эд Руша был важным сторонником Поп-арт западного побережья, в котором образы Голливуда смешались с красочными изображениями коммерческой культуры и ландшафта юго-запада. Автозаправочная станция — один из самых знаковых мотивов Руши, неоднократно появляющийся в его книге 9.0047 Twentysix Gasoline Stations (1963), документация невозмутимых фотографий из поездки по сельской местности юго-запада Америки. В Standard Station художник превращает банальное изображение автозаправочной станции в знаковый символ американской потребительской культуры. Здесь с помощью трафаретной печати Руша сводит перспективу в единую плоскость, чтобы создать изображение, напоминающее эстетику коммерческой рекламы. Работа также демонстрирует ранние эксперименты Руши с языком и текстовым взаимодействием, которые будут главной заботой во многих его более поздних, более концептуально ориентированных работах.

Скриншот — Музей современного искусства, Нью-Йорк

1967

Большой всплеск

Художник: Дэвид Хокни

видел в руководстве по пулу. Хокни была заинтригована идеей, что картина может воссоздать мимолетное событие, застывшее на фотографии: «Мне понравилась идея нарисовать то, что длится две секунды: мне требуется две недели, чтобы нарисовать это событие, которое длится две секунды». Динамизм брызг резко контрастирует со статичной и жесткой геометрией дома, кромкой бассейна, пальмами и эффектной желтой доской для прыжков в воду, тщательно выстроенных в сетку, содержащую брызги. Это придает картине абсолютно преднамеренный бессвязный эффект, что является одной из отличительных черт стиля Хокни. Эффект стилизации и искусственности опирается на эстетический словарь поп-арта.

Холст, акрил — Коллекция Тейт, Великобритания

Удалить рекламу

Начало поп-арта

Великобритания: The Independent Group

В 1952 году в Лондоне началось собрание художников, называющих себя Independent Group. регулярно обсуждать такие темы, как место массовой культуры в изобразительном искусстве, найденный объект, наука и техника. Среди участников были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, архитекторы Элисон и Питер Смитсон, а также критики Лоуренс Аллоуэй и Рейнер Бэнэм. Великобритания в начале 1950-е годы еще только выходили из аскезы послевоенных лет, и его граждане неоднозначно относились к американской поп-культуре. Хотя группа с подозрением относилась к ее коммерческому характеру, они с энтузиазмом относились к богатой мировой поп-культуре, которая, казалось, обещала будущее. Образы, которые они подробно обсуждали, включали образы из западных фильмов, научной фантастики, комиксов, рекламных щитов, автомобильного дизайна и рок-н-ролла.

Фактический термин «поп-арт» имеет несколько возможных источников: первое использование термина в письменной форме было приписано как Лоуренсу Аллоуэю, Элисон и Питеру Смитсону, так и Ричарду Гамильтону, который дал определение поп-арту в письме, в то время как Первое произведение искусства, в котором использовалось слово «поп», было создано Паолоцци. Его коллаж I Was a Rich Man’s Plaything (1947) содержал нарезанные изображения пинап-девушки, логотипа Coca-Cola, вишневого пирога, бомбардировщика времен Второй мировой войны и мужской руки, держащей пистолет, из которого вырвался мир «POP». !» в пушистом белом облаке.

Стр. Движения британского поп-арта

Нью-Йорк: появление нео-дадаизма

К середине 1950-х годов художники, работавшие в Нью-Йорке, столкнулись с критическим моментом в современном искусстве: следовать абстрактному экспрессионизму или восстать против строгого формализм, отстаиваемый многими школами модернизма. К этому времени Джаспер Джонс уже вызывал беспокойство условностями с абстрактными картинами, которые включали ссылки на «вещи, которые разум уже знает» — цели, флаги, отпечатки ладоней, буквы и числа. Между тем, «комбинации» Роберта Раушенберга включали найденные объекты и изображения с более традиционными материалами, такими как масляная краска. Точно так же «Происшествия» Аллана Капроу и движения Fluxus решили включить аспекты окружающего мира в свое искусство. Эти художники, наряду с другими, позже объединились в движение, известное как Неодада. Ставший классикой нью-йоркский поп-арт Роя Лихтенштейна, Класа Ольденбурга, Джеймса Розенквиста и Энди Уорхола появился в XIX веке.60 по следам неодадаистов.

Удалить рекламу

Поп-арт: концепции, стили и направления

После того, как переход художников-неодадаистов от предметно-найденных конструкций к поп-движению был завершен, со стороны художников возник широкий интерес к включение популярной культуры в свою работу. Хотя художники из Independent Group в Лондоне инициировали использование термина «поп» в отношении искусства, американские художники вскоре последовали их примеру и также включили поп-культуру в свои произведения. Хотя отдельные стили сильно различаются, все художники сохраняют общность в выборе образов популярной культуры в качестве основного предмета. Вскоре после того, как американский поп-арт появился на мировой арене искусства, континентальные европейские варианты развились в движении капиталистического реализма в Германии и движении нуво-реализма во Франции.

Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и табличное изображение

Коллажи Паолоцци и Гамильтона в стиле поп-арт передают смешанные чувства европейцев к американской поп-культуре; оба превозносят предметы и изображения массового производства, а также критикуют излишества. В его коллаже Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956 г.), Гамильтон объединил изображения из различных источников средств массовой информации, тщательно отобрав каждое изображение и собрав разрозненные элементы популярных изображений в одно связное исследование послевоенной потребительской культуры. Члены Independent Group были первыми художниками, представившими образы средств массовой информации, признавая вызовы традиционным категориям искусства, возникшие в Америке и Великобритании после 19-го века.45.

Рой Лихтенштейн и Pulp Culture

Лихтенштейн доказал, что он может удовлетворить требования «отличной» композиции, даже если его сюжет взят из комиксов. Помимо использования изображений из этих массовых книжек с картинками, Лихтенштейн присвоил методы, используемые для создания изображений в комиксах, для создания своих картин. Он не только перенял те же яркие цвета и четкие очертания, что и популярное искусство, его самым новаторским вкладом было использование точек Бен-Дей: маленькие точки, используемые для передачи цвета в комиксах массового производства. Сосредоточив внимание на одной панели комикса, полотна Лихтенштейна не являются точным факсимиле, а скорее представляют собой творческое переосмысление художником композиции, в которой элементы могут быть добавлены или удалены, масштаб может смещаться, а текст может быть отредактирован. Рисуя вручную точки, которые обычно создаются машинами, и воссоздавая сцены из комиксов, Лихтенштейн стер различие между массовым воспроизведением и высоким искусством.

Джеймс Розенквист и монументальное изображение

Розенквист также напрямую использовал изображения из популярной культуры для своих картин. Однако вместо того, чтобы производить механические копии, Розенквист осуществлял творческий контроль за счет своего сюрреалистического сопоставления продуктов и знаменитостей, часто вставляя политические сообщения. В рамках своего метода Розенквист сделал коллаж из журнальных вырезок из рекламных объявлений и фоторепортажей, а затем использовал результаты в качестве этюдов для своей последней картины. Обучение Розенквиста рисованию рекламных щитов прекрасно перешло в его реалистичные изображения этих коллажей, расширенных до монументального масштаба. С работами, которые часто были намного больше и шире, чем 20 футов, Розенквист наделил мирское тем же статусом, который ранее был зарезервирован для высоких, иногда королевских предметов искусства.

Энди Уорхол и Repetition

Энди Уорхол наиболее известен своими яркими портретами знаменитостей, но на протяжении всей своей карьеры его сюжеты сильно менялись. Общей темой среди различных предметов является их вдохновение в культуре массового потребления. Его самые ранние работы изображают такие объекты, как бутылки Coca-Cola и банки супа Campbell, воспроизводимые до бесконечности, как если бы стена галереи была полкой в ​​​​супермаркете. Уорхол перешел от ручной живописи к трафаретной печати, чтобы еще больше облегчить крупномасштабное тиражирование поп-изображений. Настойчивость Уорхола в отношении механического воспроизведения отвергала представления о художественной подлинности и гениальности. Вместо этого он признал превращение искусства в товар, доказав, что картины ничем не отличаются от банок с супом Кэмпбелл; оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как потребительские товары. Далее он приравнял статус массового производства потребительских товаров к статусу знаменитостей на портретах, подобных 9.0047 Мэрилин Диптих (1962).

Удалить рекламу

Клас Ольденбург и поп-скульптура

Известный своими монументальными публичными скульптурами из повседневных предметов и «мягкими» скульптурами, Клас Ольденбург начал свою карьеру в гораздо меньшем масштабе. В 1961 году он арендовал магазин в Нью-Йорке на месяц, где установил и продал свои проволочные и гипсовые скульптуры мирских предметов, от выпечки до мужского и женского нижнего белья, в инсталляции, которую он назвал The Store 9.0048 . Ольденбург взимал номинальную плату за каждое произведение, что подчеркивало его комментарий о роли искусства как товара. Он начал свои мягкие скульптуры вскоре после The Store , создавая большие предметы повседневного обихода, такие как кусок торта, рожок для мороженого или миксер, из ткани и наполнителя, так что конечный результат схлопывается сам по себе, как сдувающийся воздушный шар. . Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных объектах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к грандиозному паблик-арту, такому как 45-футовая Прищепка (1974) в центре Филадельфии. Независимо от масштаба, работы Ольденбурга всегда сохраняют игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы превзойти ожидания зрителя.

Лос-Анджелес Поп

В отличие от Нью-Йорка, мир искусства Лос-Анджелеса был гораздо менее жестким, в нем не было устоявшихся галерей, критиков и иерархий восточного побережья; эта открытость отражается в стилях живших и работавших там художников. Первый музейный обзор поп-арта, Новая картина обычных предметов , проводившаяся в Художественном музее Пасадены в 1962 году, представляла Уорхола и Лихтенштейна, а также многих художников, живущих в Лос-Анджелесе, включая Эда Руша, Джо Гуда, Филиппа Хеффертона, Уэйна Тибо и Роберта Дауда. Другие художники из Лос-Анджелеса, такие как Билли Эл Бенгстон, включили в свою версию поп-музыки иную эстетику, используя новые материалы, такие как автомобильная краска, и ссылаясь на серфинг и мотоциклы в работах, которые делают знакомое странным за счет новых и неожиданных комбинаций изображений и медиа. . Сместив акцент с конкретных потребительских товаров, эти художники позволили поп-арту выйти за рамки тиражирования, чтобы включить опыт и вызвать определенное чувство, отношение или идею, а также раздвинуть границы между высоким искусством и популярной культурой.

Эд Руша и Signage

Эд Руша, работавший в галерее Ferus, был одним из ключевых художников поп-музыки Лос-Анджелеса, работавшим в различных средствах массовой информации, большинство из которых обычно печатались или рисовались. Подчеркивая вездесущность вывесок в Лос-Анджелесе, Руша использовал слова и фразы в качестве сюжетов в своих ранних картинах в стиле поп-арт. Его первой ссылкой на поп-культуру была картина « Большой товарный знак с восемью прожекторами » (1962), где он присвоил 20 ^th Логотип Century Fox в упрощенной композиции с четкими границами и четкой палитрой мультяшной, перекликающейся с аналогичными билбордами. Его последующие картины слов еще больше стирали границы между рекламными вывесками, живописью и абстракцией, подрывая границы между эстетическим миром и коммерческой сферой, некоторые даже включали трехмерные объекты, такие как карандаши и комиксы на холстах. Работа Руши предвещает концептуальное искусство конца 1960-х годов, движимое идеей, стоящей за произведением искусства, а не конкретным изображением. Исследование Рушей множества обычных изображений и тем вышло за рамки простого их воспроизведения, но и привело к изучению взаимозаменяемости изображения, текста, места и опыта.

Капиталистический реализм в Германии

В Германии аналогом движения американского поп-арта был капиталистический реализм, движение, которое сосредоточилось на предметах, взятых из товарной культуры, и использовало эстетику, основанную на средствах массовой информации. Группа была основана Зигмаром Польке в 1963 году, и в ее состав входили художники Герхард Рихтер и Конрад Луэг. Капиталистические реалисты стремились разоблачить потребительство и поверхностность современного капиталистического общества, используя образы и эстетику популярного искусства и рекламы в своей работе. Польке исследовал творческие возможности механического воспроизведения, Луэг исследовал образы поп-культуры, а Рихтер анализировал фотографический носитель.

Nouveau Réalisme во Франции

Во Франции элементы поп-арта были представлены в Nouveau Réalisme, движении, начатом критиком Пьером Рестани в 1960 году с составлением «Учредительной декларации нового реализма», в которой провозглашалось: «Новый реализм Реализм — новые способы восприятия реального». Декларация была подписана в мастерской Ива Кляйна девятью художниками, которых объединило прямое освоение массовой культуры, или, говоря словами Рестани, «поэтическая переработка городской, индустриальной и рекламной реальности». Этот принцип очевиден в работах Виллегле, чья техника « décollage » включало в себя разрезание слоев плакатов для создания нового изображения. Хотя это движение перекликалось с озабоченностью американских поп-художников коммерческой культурой, многие из нуво-реалистов были больше озабочены объектами, чем живописью, как в случае с Spoerri. , чьи «картинки-ловушки» использовали еду, столовые приборы и столешницы в качестве художественных средств. Среди других ключевых сторонников движения были Ив Кляйн, Жан Тэнгли, Арман, Франсуа Дюфрен, Раймон Хейнс, Ники де Сен-Фалль, а также Христо и Жан-Клод.

Удалить рекламу

Более поздние разработки — после поп-арта

Поп-арт продолжал оказывать влияние на художников в последующие десятилетия, а такие художники, как Уорхол, сохраняли огромное присутствие в мире искусства Нью-Йорка вплоть до 1980-х годов. Поп потерял популярность в 1970-х годах, когда мир искусства сместил акцент с предметов искусства на инсталляции, перформансы и другие менее осязаемые формы искусства. Однако с возрождением живописи в конце 1970-х и в начале 1980-х арт-объект снова стал популярен, а массовая культура предоставила предметы, которые зрителям было легко идентифицировать и понять. Одной из ведущих фигур движения нео-поп был Джефф Кунс, чье присвоение икон поп-культуры, таких как Майкл Джексон, и предметов массового производства, таких как пылесосы Hoover, еще больше раздвинуло границы высокого искусства. В Японии работа Такаси Мураками была названа более свежим примером нео-попа из-за того, что он использовал популярные аниме-образы в своем стиле Superflat и его успешное партнерство с модными лейблами, такими как Louis Vuitton. Такие художники продолжают разрушать барьер между высокими и низкими формами искусства, переоценивая при этом роль искусства как товара самого по себе.

Полезные ресурсы по поп-арту

видео

Книги

статьи

Еще

видео

• 45 тыс. просмотров 9029

  22

  Обзоры отдельных исполнителей:

  • 1,2 млн просмотров

  • 43k просмотров

  • 3 тыс. просмотров

  • 87 тыс. просмотров

  • 544 тыс. просмотров

  Лекции по истории искусств:

  • 1k просмотров

  • 1k просмотров

  Посмотреть больше видео

  статей

  Культурно-похожее искусство

  Разрежьте кухонным ножом Германии (1919)

  Ханна Höch

  Дадаизм

  Подробнее

  Женщина ест (1971)

  Дуэйн Хэнсон

  Фотореализм

  Подробнее

  Поп-арт | Тейт

  Художественный термин

  Поп-арт — это направление в искусстве, возникшее в 1950-х годах и процветавшее в 1960-х годах в Америке и Великобритании и черпавшее вдохновение из источников популярной и коммерческой культуры.

  Различные культуры и страны внесли свой вклад в движение в 1960-х и 1970-х годах

  Рой Лихтенштейн
  Whaam! (1963)
  Тейт

  © Поместье Роя Лихтенштейна

  Возникнув в середине 1950-х годов в Великобритании и в конце 1950-х годов в Америке, поп-арт достиг своего пика в 1960-х годах. Это началось как бунт против господствующих подходов к искусству и культуре и традиционных взглядов на то, каким должно быть искусство. Молодые художники чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и то, что они видели в музеях, не имело ничего общего с их жизнью и тем, что они видели вокруг себя каждый день. Вместо этого они обратились за изображениями к таким источникам, как голливудские фильмы, реклама, упаковка продуктов, поп-музыка и комиксы.

  В 1957 году поп-художник Ричард Гамильтон перечислил «характеристики поп-арта» в письме своим друзьям, архитекторам Питеру и Элисон Смитсон:

  .

  Поп-арт — это: популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), преходящий (краткосрочное решение), одноразовый (легко забываемый), недорогой, массовый, молодой (направленный на молодежь), остроумный, сексуальный, бесполезный, гламурный, большой бизнес

  Модернистские критики были в ужасе от использования поп-артистами такого «низкого» сюжета и их явно некритического отношения к нему. На самом деле поп-музыка вывела искусство в новые области предмета и разработала новые способы его представления в искусстве, и его можно рассматривать как одно из первых проявлений постмодернизма.

  Хотя они были вдохновлены схожей тематикой, британская поп-музыка часто считается отличной от американской.

  Ранний поп-арт в Британии питался американской поп-культурой, рассматриваемой на расстоянии, в то время как американские художники вдохновлялись тем, что они видели и пережили, живя в этой культуре.